estética
Æestética puede definirse como un entrenamiento sistemático para pensar correctamente y sentir correctamente en materia de arte, y AG Baumgarten la incorpora a la filosofía. Su dominio, según el sistema de Wolff, es el de las presentaciones indistintas y los cánones del gusto sensual (aisthetike techne, de aisthanesthai, percibir y sentir). Sin embargo, se ha convertido en una filosofía de lo bello en la naturaleza y el arte y, finalmente, en una ciencia de las (bellas) artes basada en principios filosóficos. La belleza natural, las obras de arte particulares, la belleza pura, es decir, no sensual, y las cuestiones filosóficas a veces se tratan a fondo, a veces simplemente se tocan. La estética aplicada es la descripción y valoración precisas de obras de arte particulares; la estética técnica, la formación del estudiante de arte en producciones individuales; la historia del arte, el registro continuo del desarrollo del arte, de acuerdo con un plan definido. Es deber de la estética buscar siempre las bases más profundas del placer derivado del arte, no sólo en las leyes de la naturaleza, sino, sobre todo, en las de la mente, y así entrar en contacto con la filosofía; pero la fuente fecunda del sano juicio se encuentra en una visión correcta del propio mundo del arte. El estudiante de estética, aunque no puede prescindir por completo de la comprensión de la técnica de la producción artística, o del conocimiento de las variadas manifestaciones de la belleza en la naturaleza y la vida, o incluso del ejercicio real de un tipo de arte u otro, debe confiar principalmente en una facultad perceptiva rápida, talento sistematizador y una apreciación inteligente. A este respecto, la estética ofrecerá, por un lado, más, y por otro lado, menos que «tratados técnicos» sobre cualquier arte, instrucción práctica en el ejercicio del mismo, o libros de arte ilustrados para todos.
LA FILOSOFÍA DE LA ESTÉTICA
La estética, como ciencia general, no tiene en cuenta las artes individuales. Investiga los principios fisiológicos y psicológicos del arte, las concepciones del arte, de la belleza y de lo bello en el arte, y desarrolla las leyes universales de la actividad artística. El pensamiento claro y ordenado, presupuesto de toda discusión científica, es indispensable en la estética, tanto más cuanto que, de lo contrario, son inevitables los circunloquios sin sentido y los errores graves. Todas las ideas, además, sobre la belleza estética y el objetivo del arte deben ser examinadas cuidadosamente. Finalmente, deben tenerse en cuenta las condiciones subjetivas del artista, su relación con la naturaleza y la división y clasificación del material que está a su alcance.
LA CIENCIA DE LAS ARTES
En una historia del arte sólo se incluyen, por regla general, las artes imitativas y, posiblemente, la música; la estética, por otra parte, abarca también las artes de la oratoria, aunque generalmente se omite la mera elocuencia, por su carácter eminentemente práctico. Originalmente, la estética se ocupaba principalmente de la poesía, cuyas leyes son las más fáciles de explicar. Con la poesía, las artes auxiliares del ritmo y la actuación están inseparablemente conectadas. Si a éstas se añade la música vocal, tenemos todas aquellas que son el resultado directo, aunque transitorio, de la voz y el gesto. El hombre, sin embargo, pronto progresa hacia el uso de instrumentos musicales y da a sus producciones artísticas una existencia permanente por medio de notas escritas o marcas. Las artes constructivas, en cambio, siempre hacen uso de materiales extraños, como el color, la madera, la piedra o el metal, con resultados que no son al mismo tiempo completos y visibles. Las artes gráficas y textiles se agrupan con la de pintura; con escultura, cerámica, relieves y todo tipo de grabados; las artes decorativas menores con la pintura y la arquitectura. La estética de las artes individuales no lleva la impresión abstracta de la estética en general; porque aunque busca en todas partes los principios más profundos de la satisfacción estética, a menudo invade el dominio de la historia del arte en busca de ilustración, para probar las leyes del arte por medio de tipos característicos.
SISTEMA Y MÉTODOS
Este método peculiar de tratar el tema asegura a la Estética la posición de una ciencia independiente y valiosa. Por eso se han desarrollado en él diversos métodos y sistemas, como en el arte mismo, que ponen el acento en un aspecto más que en otro. El idealismo ama los grandes temas, una concepción elevada, una ejecución monumental; busca encontrar lo divino y lo espiritual en todas las cosas, ya sea solo alegórica y simbólicamente. Trata la estética desde arriba y protege de la manera más eficaz contra la degradación del arte, pero está expuesta (como lo estaba el platonismo en la filosofía) al riesgo de perderse en la abstracción y, además, de no dar la debida importancia a la forma del arte. Con el formalismo estético, por el contrario, este es el asunto más importante; no pregunta Qué, sino Cómo; no mira el contenido, sino la forma que le da el artista. Define qué formas son «agradables» en el sentido absoluto; es decir, se combinan para formar la imagen de la belleza. Cuando, además, va más allá de la experiencia y confirma el veredicto de los sentidos por el de la mente, traza, con perfecta justicia, la distinción característica entre la concepción artística y el tratamiento científico. La forma, sin embargo, sin contenido estaría vacía; debe ser más bien, por así decirlo, el florecimiento de la idea, y un gran tema, a menos que, de hecho, supere los poderes del artista, dé a su genio un impulso hacia la expresión más alta posible. El realismo destaca sólo la verdad y la actualidad palpable de este contenido. Establece el arte sobre una base segura y abre los tesoros del mundo visible de la materia. Pone el arte en relación viva con la vida y la naturaleza, con las características nacionales y las ideas actuales, y lo conduce, a través de la influencia favorable de las industrias artísticas, a la vida hogareña de la gente. Este sistema, sin embargo, no siempre salvaguarda el verdadero valor del arte supremo, cuyo papel no es imitar, sino idealizar la realidad, buscar sus materiales tanto en el mundo de las ideas como en el de los fenómenos; que coloca una verdad mayor e inmutable al lado de una que es inferior en este mundo de la experiencia, y no, para tomar un ejemplo, considera, a la manera más tosca del arte realista, meros pescadores de Galilea, en ropa de trabajo y con Características judías, como presentaciones verdaderas y apropiadas de los Apóstoles del Señor. Puede, por tanto, decirse con cierta verdad que la principal tarea del arte comienza precisamente en el punto donde la verdad de la naturaleza alcanza su perfección. El naturalismo, de nuevo, va mucho más allá que el realismo, en el sentido de que no sólo insiste en la fidelidad a la naturaleza, hasta el punto de la ilusión, en todas las artes, ya sea pintura, drama, romance u otras, sino que también suprime en la medida de lo posible todo eso es espiritual o suprasensible. La recaída en la mera sensualidad se vuelve, en tal caso, inevitable. No es la fidelidad anatómica y orgánica de la presentación, sino el desnudo, con su atractivo, lo que fácilmente se convierte en la principal importancia, y la concepción artística se hunde igualmente, con respecto a otras cosas, al nivel del crudo naturalismo y el placer sensual. Sin embargo, en la medida en que el naturalismo se mantiene al margen de este abismo, defiende la autonomía del arte para mantener su independencia de la religión y la moral. Por lo tanto, se pone en abierta contradicción con el cristianismo; ya que todas las cosas humanas, incluso el arte, están sujetas a la ley eterna. En efecto, la expresión artística no es el acto de un genio que trabaja ciegamente ni el de un entendimiento regido por sus propias leyes, sino el acto de una voluntad libre y responsable. Afecta no sólo la vista y la percepción del espectador, sino también su disposición mental y su voluntad. Es a este respecto que las leyes de la moral se aplican al arte como vocación práctica. Asimismo, frente al Naturalismo, debe reconocerse una finalidad moral y religiosa en el arte. «El arte es su propio fin» (el arte por el arte), es un principio que sólo es válido para el fin inmediato o interior (finis operis). Por supuesto, la obra debe, ante todo, cumplir con las leyes del arte para ser una obra de arte completa. Pero puede, aun así, servir a otros fines, como el mejoramiento mental y religioso de la humanidad y, sobre todo, la gloria de Dios. Los sistemas a los que se ha hecho referencia hasta ahora son antiguos y tienen su fuente en ciertas visiones fundamentales del arte; las que siguen deben su origen más bien a la reflexión ya la reacción. Los nombres: «Clasicismo», «Bizantinismo», «Orientalismo», «Romanticismo», «Arcaísmo» e incluso «Renacimiento» (en el sentido ordinario de la palabra) indican ciertas tendencias del arte, y de la estética, que disciernen las condiciones de progreso en una reversión a períodos anteriores de desarrollo del arte. Véanse las concepciones estéticas de los «nazarenos», que ponían el acento en el talante poético, nacional y religioso, en contraposición a la rigidez académica y la frialdad clásica, y que, por tanto, volvían al arte italiano del siglo XV (la escuela Overbeck ). Estas ideas ejercieron una importante influencia en el arte cristiano de Alemania, hasta el período de Steinle y la escuela de Düsseldorf. El prerrafaelismo comparte con los nazarenos su predilección por el primer renacimiento, con su sencillez fresca y en libre evolución; comparte aún más su disgusto por una rutina estrecha y una uniformidad convencional. La Hermandad Prerrafaelita (Rossetti, Holman Hunt, Millais), destacada por los escritos de Ruskin sobre el tema; buscó dar al arte inglés una mayor independencia, fidelidad a la naturaleza y espíritu poético, vinculándolo a los pintores «primitivos» de Italia. Esta tendencia, que se manifestó algo antes de mediados del siglo XIX, perduró, bajo el nombre de Æstheticism, en parte en Inglaterra y en parte en América, hasta finales del siglo pasado (Burne-Jones, William Morris ). Sus representantes buscaron principalmente las mejores y más antiguas formas de arte, y se dedicaron, no sin excentricidades, a muebles y cortinas. El «individualismo» busca la salvación no en la historia, sino en la negación de lo histórico. Sin embargo, es la llamada «Secesión» la que más ha llamado la atención. Habiendo sido al principio principalmente un movimiento social de revuelta (en Munich), ha tendido a evitar el aprendizaje y aspirado a crear todas las cosas de nuevo, con resultados que a veces son originales, a veces asombrosos y en ocasiones ridículos. Si el nuevo estilo buscado se desarrollará a partir de esto, es más que dudoso; nunca, ciertamente, de la teoría puramente negativa de la tendencia, ya que tiende a suprimir las ideas, la forma y el estilo. Sin embargo, esta búsqueda de nuevas formas no carece de cierta justificación. Una teoría algo difundida, que puede denominarse «akallismo», rechaza la antigua doctrina de la belleza de una verdadera obra de arte y pretende colocar lo que tiene carácter, o significado, en el lugar de lo bello. De hecho, casi todos los escritores sobre estética han hecho de la idea de la belleza la base de todo el sistema, e incluso a Jungmann le resultó imposible idear un sistema simétrico de estética sin esa idea. No es necesario negar la posibilidad de idear tal sistema, pero el testimonio de la historia está del lado de la llamada estética de la belleza. El acalismo, sin embargo, por regla general, apunta a reemplazar lo bello no por lo grande, sino por lo que es sorprendentemente característico o brutalmente realista. El subjetivismo amenaza la estética científica con un peligro completamente nuevo. El énfasis forzado del lado subjetivo del arte y de las condiciones psicológicas y fisiológicas de la expresión artística es sin duda un avance, siempre que las condiciones y normas objetivas no sufran disminución de su esfera legítima. Sin embargo, existe una tendencia creciente a considerar todos los principios y juicios estéticos como meras opiniones fluctuantes y rechazar todo lo que constituye un sistema, principio o definición. Tal escepticismo, nacido de la debilidad espiritual y de la cobardía, pone fin, de una vez por todas, a toda la ciencia.
Debe añadirse aquí una palabra sobre los diversos métodos de la estética. El antiguo tratamiento abstracto del tema ya no está disponible, en vista de las abundantes facilidades que la percepción tiene ahora a su disposición. Sin embargo, el mero entrenamiento de los sentidos conduce, a su vez, a un conocimiento muy superficial; la función principal de la percepción es preparar el camino para la comprensión mental y la concepción ideal. Tampoco podemos prescindir ni del ordenamiento sistemático de la historia del arte, ni de la base cuasi-filosófica de la estética. La introducción de métodos de las ciencias naturales en la estética (Taine, Grant Allen, Helmholtz, Fechner), así como la estrecha conexión entre la instrucción teórica y práctica y la expresión artística (Ruskin), ofrece grandes ventajas, si no se confía exclusivamente en ellas. Al mismo tiempo, sigue siendo cierto que el arte elevado nunca puede ser completamente diseccionado por los métodos de las ciencias exactas, sino que él mismo establece a su vez las normas rectoras que debe seguir la expresión del arte y, una vez alcanzada su perfección adecuada, no es ya no depende de tal expresión. El tema apropiado; por lo tanto, de la estética son las grandes artes; la técnica y las teorías de las artes menores tienen una gama más estrecha de material. Por cuestión de método, conviene poner la poesía en el primer plano de cualquier discusión sobre arte, ya que así es más fácil evitar que la estética de las demás artes se convierta en mera técnica.
HISTORIA DE LA ESTÉTICA
Sócrates, en los «Memorabilia» y «Symposium» de Jenofonte, no distingue entre lo bueno y lo bello, y la misma indefinición se extiende a la filosofía de Platón (La República , Fedro, Filebo) y la de Plotino (Enéada, I, vi). El idealismo de esta filosofía no sólo dio lugar a la obra de Longinus sobre «Lo Sublime», sino que también inspiró a Dionisio el Areopagita (De Divinis Nominibus) y a varios Padres de la Iglesia. Aristóteles, por el contrario, analizó gravemente la forma y las propiedades de lo bello como en su «Poética» analizó el arte de la poesía épica, trágica y cómica. Los agudos comentarios incidentales de Santo Tomás de Aquino se limitan principalmente a la noción de lo bello y del arte, ya la idea artística. El tratamiento sistemático de la estética comienza con «Aesthetica» de AG Baumgarten (1750-58). Por poco valor filosófico que puedan tener sus cánones del gusto, basados en «ideas confusas» y «percepciones sensibles», de hecho, su libro tuvo una influencia más fuerte en el desarrollo posterior de la estética que la que tuvieron tanto la filosofía inglesa como la francesa antes de su creación. su tiempo. El primero, partiendo de un idealismo platónico, se hundió cada vez más en el empirismo y el sensualismo, e insistió, no demasiado filosóficamente, en el principio del sentido común (Shaftesbury, Hutcheson, Reid, Hume, Burke). Hogarth se dedicó a la pintura y propuso como «línea de la belleza» la curva que lleva su nombre. Entre los franceses, Batteux, siguiendo a Aristóteles, ideó un sistema de bellas artes que, sin embargo, se apegaba demasiado al principio de imitar a la naturaleza. Diderot hizo lo mismo en una medida aún más marcada, mientras que la estética francesa posterior se aproximaba al idealismo (Cousin). En Alemania, la estética llegó a ser tratada con mucho celo después de la época de Baumgarten, tanto de manera filosófica como popular. Para aludir aquí sólo al primero, los críticos de arte Winckelmann y Lessing se cuentan entre los numerosos seguidores de la escuela de Baumgarten, dirigiendo el primero su especial atención al arte de la escultura. Kant, una vez más, obtuvo una gran influencia y, aunque su teoría favorita de que la belleza es simplemente una idoneidad subjetiva y formal no encontró seguidores, estimuló la actividad en muchos sectores por medio de la concatenación autocontradictoria de varios sistemas. De él, pues, se deriva el idealismo abstracto de Schelling y Schopenhauer, en el que la idea general de belleza no está suficientemente absorbida en la forma de su manifestación. También el idealismo concreto (el de Hegel y Schleiermacher) debe su origen a Kant. Considera la belleza no como una idea universal, sino como una evolución individual. A él también se puede remontar el formalismo estético de Herbart y Zimmermann, y la «estética del sentimiento» (Kirchmann).
—————— —————–
HEGEL, Vorlesungen uber die Æsthetik (Berlín, 1835-38); TH. VISCHER, Æsthetik, oder Wissenschaft des Schonen (Reutlingen, 1846-57); DEUTINGER, Kunstlehre (Ratisbona, 1845); KOSTLIN, Æsthetik (Tubinga, 1863-68); CARRIERE, Æsthetik (Leipzig, 1885); IDEM, Die Kunst im Zusammenhange der Kulturentwicklung (3ª ed. Leipzig, 1877-1886); ZIMMERMANN, Æsthetik als Formwissenschaft (Viena, 1865); JUNGMANN, Æsthetik (3ª ed., Freiburg, Baden, 1886); KONR. LANCE, Wesen der Kunst (1901); GIETMANN-SORENSEN, Kunstlehre (Friburgo, Baden, 1899-1903). En Inglaterra, Modern Painters de RUSKIN ha tenido una amplia circulación, al igual que sus otras numerosas obras. Se pueden mencionar las siguientes obras francesas: SUTTER, Esthetique generale et appliquee (París, 1865); LONGHAYE, Theorie des belles lettres (París, 1885). Para la historia de la estética: MULLER, Gesch. der Theorie der Kunst bei den Alten (Breslau, 1834-37); ZIMMERMANN, Gesch. der Æsthetik (Viena, 1858); SCHASLER, Kritische Gesch. der Æsthetik (Berlín, 1872); VON HARTMANN, Die deutsche Æsthetik seit Kant (Leipzig, 1886). Para la historia del Arte: KRAUS, Gesch. der christl. Kunst (Friburgo, Baden, 1896-1897); SPRINGER, Handb. der Kunstgesch. (6ª ed., Leipzig, 1901-2); KUHN, Allgem. Kunstgesch. (Einsiedeln, 1891, incompleto en 1906); WOESMANN, Gesch. der Kunst aller Zeiten u. Volker (Leipzig, 1905) aún no completa.
G GIETMANN
La Enciclopedia Católica, Volumen ICopyright © 1907 por Robert Appleton CompanyEdición en línea Copyright © 2003 por K. KnightNihil Obstat, 1 de marzo de 1907. Remy Lafort, STD, CensorImprimatur.+John Cardinal Farley, Arzobispo de Nueva York